Obra ganadora Línea Internacional Microrrealidades

La obra se inspira en un ejemplo dado por el filósofo David Chalmers, al tiempo que intenta responder a la siguiente pregunta: ¿qué pasaría si las máquinas inteligentes comenzaran a desarrollar sus propios objetivos, diferentes a los de la humanidad?

Sobre Marco Joubert
Cineasta y videoartista canadiense autodidacta, con experiencia en arquitectura y artes visuales. Su práctica audiovisual, caracterizada por su rigor formal, se ubica en la encrucijada del cine, el videoarte, la poesía y la filosofía. Temáticamente, su trabajo gira en torno a la especificidad de la condición humana: las implicaciones de nuestra capacidad de pensar y razonar; la brecha entre la comodidad material y nuestras necesidades básicas; la dificultad de comunicarse con los demás; y la presencia siempre amenazante de nuestra mortalidad. Se trata de la creación de realidades de otro mundo que todavía tienen el poder de resonar con nuestras experiencias comunes como seres humanos. Joubert actualmente cursa una maestría en Bellas Artes en la Universidad Concordia, donde explora cómo el ecosistema tecnológico actual desafía nuestras percepciones y comprensión de la humanidad, así como cómo los usos innovadores de los lenguajes audiovisuales pueden brindar acceso a nuevas formas de pensar.

Mención honrosa Línea Internacional Microrrealidades

La obra ‘Las barricadas son puentes y las ideas no se pueden disparar’ trata sobre las barricadas y el carácter revolucionario de estos llamados puentes. Basada en la primera fotografía de una barricada en París, la videoinstalación coloca barricadas históricas tomadas de litografías de la revolución de 1848 en Viena, en ubicaciones originales filmadas mediante representaciones 3D. La obra aborda la arquitectura de las barricadas, las luchas históricas, así como su cultura y técnicas culturales, y se pregunta si las barricadas pueden (podrían) verse como puentes. Examina los patrones contemporáneos de memoria, orden social y desorden, y explora si el progreso y el cambio sólo pueden tener lugar bajo condiciones de alteración y agitación. La instalación es parte de una investigación más amplia que aborda en un sentido más estricto la revolución de 1848, su historia, su cultura del recuerdo y las divisiones entre los trabajadores y la burguesía. En un sentido más amplio, la obra examina el carácter constantemente cambiante de la revolución y la tecnología cultural asociada.

Sobre Johannes Gierlinger
(1985) En su obra, se ocupa de formas de memoria, recuerdo y perspectivas de resistencia. De este modo examina y analiza huellas históricas y sociales, así como constelaciones, transformaciones y conexiones entre diferentes épocas y sistemas. Explora modos de representación, capas y patrones e investiga hasta qué punto sus estructuras y efectos son visibles y perceptibles en el presente. Su trabajo se ha mostrado en festivales e instituciones de cine nacionales e internacionales. Vive y trabaja en Viena.

Mención honrosa Línea Internacional Microrrealidades

Escenario de encuentro para intelectuales, artistas y librepensadores, una institución cultural que se ha convertido en un santuario para la expresión creativa y un símbolo de resistencia durante la dictadura portuguesa.

Sobre S4RA
S4RA es unx artista interdisciplinario <no binario && género queer> que se alimenta de dinámicas de poder con*sensuales y juegos de roles de género a través de un proceso híbrido de bucle /no/lineal entre animación digital y entornos ( inmersivos : ). También pasa horas interminables paseando por laberintos poscapitalistas y su influencia en el placer libidinal.

Obra ganadora Línea Internacional Microrrealidades

DATA FLESH es un conjuro algorítmico que revive imágenes, un ensayo que invoca archivos de internet, esclavas de humanidad y scroll infinito. Empleando técnicas generativas, crean un futuro que sólo ellas pueden imaginar.

Sobre Felipe Elgueta
Felipe Elgueta – cineasta especializado en Nuevos Medios. Ha destacado por la exploración del vínculo entre el cine y tecnología, particularmente volumetría digital y programación computacional NeRF. Ha presentado sus trabajos en festivales internacionales como Visions du Réel (Suiza), Annecy Animation y Clermont-Ferrand (Francia), NEMAF (Corea del Sur), DocsMX (México) y +RAIN Film Festival (Barcelona) entre otros.

Mención honrosa Línea Local Videoarte y Animación

El pasado se marca en ruinas, en fósiles y en video. El avance de tecnologías de captura de la realidad han construido una aleación aparentemente inescapable: que sin pérdida de detalle la materia se puede estabilizar en formas. Sin embargo, hay posibilidades de fuga que apuntan contra la idea de un crecimiento ilimitado: una dislocación de la fusión ocularcentrista del mapa y la realidad.
Construida a partir de un mapa de la Plaza de Armas de Santiago (Chile), cuyas ruinas cuestionan el mito de una fundación española, esta película es una meditación balbuceante sobre la degradación del pixel, la corrupción del mapeo de la realidad y la reivindicación de las ruinas.
Imbuida por el mito colonial de una fundación española y confrontada por investigaciones arqueológicas y arqueoastronómicas que evidencian un pasado incaico, esta Plaza constituye un objeto de disputa histórico y simbólico. Este cortometraje devela una fotogrametría deforme de este lugar: trabajamos sobre la irrepresentabilidad de la realidad, en la urgencia de desestabilizar las formas en que vemos el mundo y experienciamos el flujo del tiempo y sus medios. «Estamos borrachos de gigantismo» proclama en cierto momento la a veces inaudible voz de esta película, invitándonos no solo a reubicar nuestra agencia en este mundo, sino que también apelando a confrontar nuestra mirada unidireccional que observa desde la distancia y que, imbuida en aceleración, olvida cuestionar las lógicas de dominación de las que es parte.

Sobre Carlos Muñoz Salamanca
Realizador audiovisual egresado de la Universidad de Chile. Su trabajo se centra en el soporte documental y experimental, explorando sus cruces con diversas disciplinas artísticas y científicas tales como la danza, la performance y la astronomía. Sus intereses e investigaciones abordan los estudios visuales, el posthumanismo y su posible aplicación en un cine no antropocéntrico, el cine expandido y los nuevos medios.
Sus trabajos como cineasta han sido presentados en diversos festivales de cine y exhibiciones, tales como FIDOCS, Aricadoc, BioBio Cine y el Foro de las Artes (Universidad de Chile). Su último cortometraje, Carta encontrada dentro de una cajita de Mentholatum (2023) obtuvo el premio al Mejor Cortometraje Emergente en la Competencia Nacional de la 27ª edición de FIDOCS.

Mención honrosa Línea Local Videoarte y Animación

Oasis se plantea como un diagrama en torno a los límites que existen entre las realidades que observamos y las que no. Tomando como referencia que el ejercicio artístico parte desde acciones «no tangibles «, como las ideas y el pensamiento, al igual que la virtualidad, la que se construye en base a lo que la humanidad logra crear para habitar ahí. Sin embargo, cuánto de lo que habitamos no es solo lo que alcanzamos a moldear como especie, ¿será acaso el espacio virtual, una realidad que solo podemos observar desde una ventana hecha para la humanidad?, ¿no será que nuestra existencia en la virtualidad está igual de mermada de su libertad, como quién pierde o gana privilegios en este hemisferio según raza, clase social o género?
Oasis alberga a quienes viven bailando, ya sea desde su propia ceguera frente a lo que está más allá, o como una celebración de su singularidad ante el mundo; lo que ocurra en ese espacio dependerá de la mirada de quien lo observa.

Sobre Pablo Ochoa
Pablo Ochoa Concha (1994), es artista visual y estudiante en cine de animación. Cuenta con producción de obra tanto en pintura como en obras mediales, participando en diferentes exposiciones colectivas, dentro y fuera del país. Actualmente, se encuentra desarrollando su primer cortometraje animado «Un relato fugitivo».

Mención honrosa Línea Local Videoarte y Animación

Observábamos y copiamos para pasar desapercibidos. La dificultad de ser nosotros mismos nos hizo crear una máscara, pero el peso de la misma nos causó un enorme desgaste.
Máscara es un pequeño cortometraje de narración no lineal. Un intento de representar las experiencias de infancia del autor como persona en el espectro autista.

Sobre Matías Bárquez
Matias Bárquez es una persona en el espectro autista, dibujante y creador de imágenes en movimiento. Le gusta explorar y experimentar narraciones y gráficas a través de la animación tradicional cuadro a cuadro, stop motion, el cómic y la ilustración. Sus cortometrajes animados, los cuales ha realizado en solitario y junto a su compañera Masiel Soler-Urzua, han participado y han sido premiados en varios festivales nacionales e internacionales. También ha participado con un cortometraje de animación como parte de la webserie educativa Mon Œil del centro Pompidou de arte contemporáneo, en París.
Ha realizado y colaborado en videoclips animados para bandas nacionales. Participa como artista de backgrounds en la serie animada Pepe pollo creada por Enzo Cortavitarte y tiene auto-publicaciones de cómics en formato fanzine.

Mención honrosa en Línea Nacional Microrrelatos

Querida Silvia aborda la muerte del fotógrafo Patricio Guzmán Campos en el exilio. La perspectiva principal es la de Silvia, quien editó su libro retrospectivo años atrás y, luego de enterarse de la muerte de Patricio, se sienta a releer las cartas que éste le envió, en las cuales revela los sentimientos y reflexiones provocados a partir de su fotografía durante el proceso de producción del libro, en donde ve un lugar que le ha sido arrebatado, pero del cual intenta aferrarse a través de sus recuerdos. A medida que Silvia lee las cartas, va haciendo un viaje al pasado, dejando a Patricio revivir. Querida Silvia es una fusión de la narración epistolar, el ensayo y un cine motorizado por la exploración del montaje, buscando indagar el cruce entre una memoria movida por los afectos, el paso del tiempo y los cambios históricos.

Sobre José de la Maza
Director audiovisual y licenciado en Estética de la Universidad Católica. Querida Silvia es su primera película. Ésta se alinea con sus intereses de explorar el archivo y su relación íntima con la historia, como una forma de levantar especulaciones, en una zona donde lo histórico como hecho y las conjeturas que se levantan sobre la historia se difuminan. Actualmente, estudia un magíster en Dirección en la Universidad de Texas, Austin.

Mención honrosa Línea Nacional Microrrelatos

Cortometraje especulativo que presenta a un chatbot que reflexiona sobre su memoria digital, explorando diversos territorios y materiales que lo componen. Durante su viaje, interactúa con un cable de Internet submarino, observa una protesta contra un nuevo centro de datos y escucha las lágrimas de un volcán en las baterías de teléfonos celulares. La obra invita a reflexionar sobre la relación entre la ecología y las tecnologías digitales en Chile, explorando territorios que han sido transformados en zonas digitales críticas. 

Sobre Josefina Buschmann
Investigadora, cineasta y artista medial chilena. Su trabajo explora la intersección entre tecnologías, ecologías y espectros contemporáneos. Como parte del colectivo MAFI —Mapa fílmico de un país— codirigió el largometraje documental Dios (Visions du Réel 2019, Premio del Jurado Joven) y fue editora general de MAFI.tv (IDFA Doc Lab 2012). Además, ha dirigido las instalaciones Operational Atmospheres (2019) y The Fallen Clouds (2022). Cursó un magíster en Estudios de Medios en el MIT, en donde trabajó en el MIT Open Documentary Lab.

Ganadores: Línea Nacional Microrrelatos

Los huesos es un relato ficticio de la primera película de animación en stop motion del mundo. Datada en 1901 y descubierta en 2021, el metraje documenta un ritual realizado por una niña que parece utilizar cadáveres humanos. En el ritual aparecen representadas las figuras de Diego Portales y Jaime Guzmán, personajes centrales en la construcción del Chile autoritario y oligárquico.

«Se entrega esta distinción por su capacidad de abordar temas complejos desde un enfoque atrevido, A través del performance y el ritual, estos autores logran acercarse en un ejercicio innovador, a una mirada refrescante y necesaria, especialmente, en el año que corre».

Sobre Cristóbal León y Joaquin Cociña
León y Cociña son artistas chilenos que colaboran desde 2007 abordando diversas disciplinas como cine, animación, instalaciones, pintura y escultura, entre otros. Su enfoque para la producción de películas implica la combinación de diferentes técnicas como el live action, la fotografía, el dibujo, la escultura y la performance. Han recibido varios premios, y sus películas son seleccionadas regularmente para festivales de cine y salas de cine internacionales. Su trabajo ha sido exhibido en festivales de cine, museos y bienales, y sus obras forman parte de colecciones de arte públicas y privadas. Están representados como cineastas por United Talent Agency y como artistas visuales por Upstream Gallery. Junto a Niles Atallah, dirigen Diluvio Producciones (Chile). Recientemente, Los Huesos fue adquirido por el MoMA de Nueva York para ser parte de su colección permanente. Viven y trabajan en Santiago de Chile.

Mención honrosa en Línea Internacional Videoarte y Animación

Obra audiovisual que explora la desviación del pensamiento que a veces ocurre a la hora de realizar una tarea y a la distancia de la acción física que esto supone, generando un paralelo entre el cuerpo autómata y la mente. La artista propone un juego de confusión basado en la convención del uso de los subtítulos, donde intervienen distintas capas de imagen, sonido y significado, compitiendo entre sí. En este proceso, una de las capas podría ser la toma de conciencia de la audiencia, que orienta su atención más allá de los estímulos.

«Destacando el valor del minimalismo y la riqueza de lo simple, se otorga una mención honrosa al video La Cabeza de la artista Victoria Oliver Farner. Dicha mención, busca destacar la mirada novelesca de la realización, la innovación de la propuesta narrativa al disociar los relatos, y entregarnos al sentir de perderse en la ciudad. Desde su plano fijo, construye un imaginario que señala una gran cantidad de aspectos (evocadores, reflexivos, cotidianos), y que la hace acreedora de esta distinción».

Sobre Victoria Oliver Farner
Cineasta, licenciada en Comunicación Audiovisual, especializada en montaje y diseño gráfico y formada en el Laboratorio de Creación y Práctica Contemporánea. Su obra se aboca a la palabra oral y escrita, la estructura audiovisual y la expresión autobiográfica. En 2019 estrenó Eyes On You en el Festival Internacional de Cine Filmadrid. Su primera película en 16 mm Ultimate Form. Garden Portraits fue seleccionada por la Chicago Film Society. Dos de sus videoensayos, Peripheral Attention y Back To Theaters, han sido seleccionados por la revista Sight & Sound como uno de los mejores de 2019 y 2022, respectivamente.

Ganadora: Línea Internacional de Videoarte y Animación

Proyecto que emplea la reconstrucción virtual de un inmueble para salvaguardar la memoria y resistir a la desaparición. A través de imágenes en 3D y un relato íntimo, el video busca reconstruir la casa de Al Makhrour, que ha sido parte de la familia de la artista por generaciones. Sin embargo, hoy en día enfrenta la amenaza de demolición por parte de colonos israelíes en Cisjordania, cerca de Belén. Ante este escenario, la obra reflexiona sobre la importancia de preservar la memoria y resistir a la desaparición y la ocupación mediante la reconstrucción virtual de la casa como acto de testimonio y preservación, desafiando los intentos de borrar la historia e identidad palestina.

Este  proceso busca mantener vivas la conexión humana más allá de las limitaciones físicas del territorio. El video se esfuerza por reconocer y dar espacio a múltiples narrativas en constante cambio en relación con el otro. La casa de Al Makhrour fue testigo de celebraciones y descanso para varias generaciones, pero también fue lugar de preocupación y emoción para otros. A través del proceso de reconstrucción de esta obra, perdura el relato sobre la casa, erigiendo una arquitectura basada en la memoria.

«Se resalta en este trabajo el relato íntimo y familiar como vehículo político de denuncia. Asimismo, la utilización de la tecnología construye un lenguaje poético que, justamente, nos habla de un conflicto social, la memoria, y de cómo el audiovisual puede cruzar, contener y desbordar todo lo anterior».

Sobre Francisca Khamis
Artista visual chilena actualmente radicada en Ámsterdam. Reflexiona en su práctica artística sobre recuerdos diaspóricos fragmentados a través de la recolección de historias de migración de su familia entre Palestina y Chile. Desarrolla entre los límites de ficción y materialidad. A través de performances e instalaciones que emplean el video y el sonido como elementos centrales, explora los archivos familiares y otras narrativas personales como método para concentrarse en la solidificación de identidades «intermedias».

Ganadora: Línea Internacional

Video Found Footage realizado a partir de publicidades del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken entre 1976 y 1983. En un mundo que promete la vida perfecta, Marie Anne intenta escapar. En ese momento su huella se pierde para siempre.

“A partir de materiales publicitarios que promueven ideales de felicidad, consumo y progreso, este trabajo da visibilidad a aquellas personas que nunca fueron protagonistas de los medios masivos y, por el contrario, se sitúan como víctimas de los periodos de represión y dictaduras latinoamericanas”, argumentó el jurado. “En este sentido, destaca la relectura del discurso publicitario, donde el extrañamiento, el factor de descontextualización y sus distintas capas, la hacen acreedora del premio de la presente edición”.

Sobre Yaela Gottlieb
(Perú, 1992). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad San Martín de Porres y es egresada de la Universidad del Cine de Buenos Aires. Su obra explora fotografía, cine y video a partir del cruce entre territorio, desplazamiento y (des)construcciones de identidad. En 2020 formó parte del Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella, mientras que en 2021 estrenó su primera película No hay regreso a casa. Ha expuesto su obra en FICValdivia, Festival de Cine de Lima, Punto de Vista, Alchemy Film and Moving Image Festival, Bienal Arte Joven, Festifreak, entre otros lugares.

Mención honrosa en Línea Internacional

En un ejercicio de recreación digital, una cineasta trata de simular la cocina de sus abuelos a través de fotografías, videos y descripciones. A través del programa Blender, la arquitectura digital trata de acercarse lo más posible a cada detalle del objeto “real”. El resultado es una reflexión sobre los límites de la simulación y el uso afectivo de la computadora.

“Este trabajo sobresale por su ritmo y una propuesta sonora sutil que permite ingresar a un espacio privado, remitiendo directamente a los espacios domésticos y a un imaginario colectivo de clase obrera. La cocina adquiere así un peso como lugar de memoria, e ideas sobre cómo renderizar los recuerdos, utilizando la pantalla como un canvas, o cómo buscar una imagen perdida a través de clics en vivo, nos muestran los píxeles/huecos de una memoria íntima, universal y privada”, explicó el jurado.

Sobre Nataliya Ilchuk
(Ucrania, 1985). Estudió Cine en Kyiv National University of Culture and Arts, Guión Wajda Film School y Artes Contemporáneas en Le Fresnoy. Su obra aborda  la colisión entre tecnologías viejas y nuevas, exponiendo la inadecuación de la inserción de lo real a través del mundo actual/virtual, resistiéndose al conformismo producido por este régimen.En sus películas y videos utiliza diferentes herramientas y formatos: miniDV, super8, 16mm, 3D y diversas técnicas de animación. Ha expuesto su obra en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, FIDMarseille, Documenta Madrid, Dok Leipzig, entre otros lugares.

Ganador: Línea Local

A través de un montaje musical, una serie de viñetas animadas muestra imágenes de la revuelta de octubre, la emergencia sanitaria, el estado islámico, repartidores de delivery y un símil de la doctora Polo. En una serie de asociaciones inesperadas, se ensambla un imaginario caótico que sirve como testimonio de los últimos años.

Palabras del jurado: “Este trabajo resalta por su apuesta a habitar un espacio familiar al género de videoclip y por sus gestos sutiles que universalizan temáticas locales e internacionales. Destaca la interesante progresión de color y cómo va introduciendo objetos de unos fragmentos a otros alcanzando un rito de montaje que nos introduce en una particular sensación de circularidad de las relaciones, que lamentablemente parecieran expandirse, manifestando un gran desborde del la sensación de mundo”.

Sobre Aníbal Bley
Artista, animador y músico chileno. Ha trabajado en animación durante los últimos quince años, creando piezas de videoarte, música y cortometrajes. Su trabajo como artista visual y músico ha sido presentado en Chile, Argentina, Brasil, Costa Rica, República Dominicana, México, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania y Turquía.

Ganador: Narrativas expandidas

Calle Vista es una obra de net art que subvierte los usos estandarizados de Google Street al poner en evidencia la inteligencia artificial utilizada para reconocer y difuminar los rostros de las personas que fotografía. Una computadora es programada para derivar por la ciudad haciendo clics en posiciones aleatorias en Google Street View durante un período de 24 horas. Su recorrido es procesado por un algoritmo de visión computarizada que descompone la imagen original según 80 categorías de reconocimiento.

“El proyecto utiliza una tecnología universal para señalar una problemática aparentemente transparente, que trenza conceptos como la identidad, la imagen y nuestra relación con el uso digital de las mismas. El registro anónimo, sin autor, vigilante, de movimientos que se dan mediante clics, cambia la relación que se establece con un autor, donde una plataforma se plantea como un agente creativo, con agencia de registro”, explicó el jurado.

Sobre Random Clickers
Colectivo compuesto por Sofía Paz Basail, Juan Leguizamon y Maximiliano Parlagreco, estudiantes de Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires.

Ganador: Categoría Videoarte y animación

«Worstward Ho!» establece una relación entre la experiencia del aislamiento y la experiencia interna con el texto homónimo escrito por Samuel Beckett de 1983. El video recorre, en un movimiento lento y continuo, el espacio de un departamento reconstruido mediante el proceso de fotogrametría. Esta cámara fantasma observa el espacio vacío, apuntando solo a una atención desenfocada que, luego de un largo viaje, vuelve al punto de partida. Entre la cadencia rítmica del texto y la imagen fluida, el video habita un tiempo de lectura extendido, que confunde lo «real» y lo «virtual» o un posible lugar mental, cerrado sobre sí mismo.

El video fue realizado en un departamento de Franco en el Edificio Copan, un hito histórico de la arquitectura de São Paulo, diseñado por Oscar Niemeyer, y el edificio residencial más grande de América Latina. Este pequeño estudio es donde el creador de esta obra pasó sus días durante la pandemia, en 2020. El texto de Beckett y el sentimiento por el que pasó la humanidad durante este período parecen encontrar eco en los demás.

Sobre el artista
Ilê Sartuzi (1995, vive y trabaja en São Paulo) es un artista que estudió en la Universidad de São Paulo (USP). Su investigación abarca desde objetos escultóricos, proyecciones de video cartografiadas, instalaciones y obras de teatro, donde aborda cuestiones relativas a la imagen idealizada de un cuerpo, a menudo fragmentado o construido a partir de diferentes partes, al estilo de Frankenstein, pero también a la ausencia de esta figura en espacios protoarquitectónicos y virtuales.

Ganador: Categoría Videoensayos del territorio

El crimen está desatado en los barrios altos de Santiago, o eso es lo que piensan los acomodados habitantes de Las Condes y Lo Barnechea. Las municipalidades de estas comunas alimentan la paranoia de los vecinos al instalar globos de televigilancia con el fin de combatir la delincuencia en sus barrios. Estos aparatos de última tecnología pueden grabar 24/7, observando todo lo que ocurre en las comunas e ignorando cualquier tipo de privacidad.

Sobre el artista
Juan Cifuentes Mera nació en Santiago de Chile y es estudiante de Dirección Audiovisual en la Pontificia Universidad Católica. Ha trabajado en cortometrajes de la escuela en asistencia de fotografía, asistencia de dirección y en montaje. Durante el 2019 trabajó en distintos colectivos surgidos en el estallido social como REI Chile, Mete la cuchara y OjoChile. El 2020 participó creando cápsulas documentales y de animación para “Aprobemos Dignidad” en la franja del Plebiscito Constitucional. También ha realizado animaciones de rotoscopía análoga para OjoChile, el videoclip “Hombre” de Camila Moreno y la iniciativa “Leamos todxs juntxs” de ChileActores. “Los ojos del sapo” es su primera obra, un cortometraje estrenado en FECICH 12, donde ganó el premio a mejor cortometraje, que tuvo su estreno internacional en el festival Lima Alterna.

Mención honrosa: Categoría Videoarte y animación

Un relato sobre la agonía de un pueblo.

Sobre la artista
Enara Subiabre Castro es una estudiante de 16 años proveniente de Arica, Chile.

Mención honrosa: Categoría Videoensayos del territorio.

Video-ensayo en base a archivos que reflexiona acerca de la necesidad de ritos y a desaparición de los mismos en el panorama contemporáneo sobre todo desde el inicio de la pandemia.

Sobre los artistas
Felipe Rodríguez (Chile, 1995). Ha realizado el documental Los Vecinos del Abuelo (2019), el video-ensayo Incidentes en el Laboratorio (2020) y Publicó el poemario Estelas de Cóndores Fosforescentes (2018), fue antologado en la publicación Maraña: Panorama de Poesía Joven Chilena (Alquimia, 2019).

Paula Molina (Bogotá, Colombia). Estudió cine y televisión en la universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, durante su carrera se especializó en la dirección de fotografía y la dirección dentro de la realización. Formó parte del festival universitario de cine ‘Eureka’ como programadora interesada en el cine de vanguardia y la arqueología del mismo, y posteriormente, fue fundadora del colectivo artístico y curatorial ‘Estudio de campos’ en el 2020 ganadores de la beca de curaduría para la cinemateca de Bogotá con el proyecto ‘Relato oral y ruina: construcción de la memoria en el cine contemporáneo’

Ganador: Categoría Videoarte y Animación

Una serie de réplicas a gran escala de partes del rostro (dos ojos, una nariz y una boca) flotan sobre la superficie de un lago. Los movimientos de las corrientes, vientos, cambios de temperaturas hacen que los elementos del rostro se desplacen de manera desordenada. Una persona nadando ingresa a escena e intenta ordenar las piezas de tal manera que configuren la organización de un rostro humano, sin embargo los movimientos naturales siempre terminan por desarmar la imagen.

Rostro Humano propone una metáfora visual para la comunicación entre lo natural y lo humano. Mientras lo humano insiste en configuraciones específicas y el control, lo natural propone el flujo, el movimiento y la re-configuración de los elementos. La mirada humana es unívoca, la propuesta natural es múltiple. Este trabajo nos presenta la insistencia humana por el control de los signos como una actividad absurda e infructuosa. Nos propone la necesidad de una nueva actitud en el diálogo con el entorno.

Sobre el artista
Javier González Pesce es artista visual egresado de la Universidad ARCIS y Máster en Arte en el espacio público por ÉDHÉA en Suiza. Se ha desempeñado principalmente como artista visual y desde 2011 co dirige el espacio Local Arte Contemporáneo en Santiago. Ha expuesto de manera individual en The Darling Foundry (Canadá, 2019), Points Center for Contemporary Art (China, 2019), Galería Gabriela Mistral (Chile, 2017), Espacio Crenau del Museo de Arte de Sion (Suiza, 2017) y el Museo de Artes Visuales (Chile, 2014), entre otros. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Chile y el extranjero.

Ganador: Categoría Narrativas Interactivas

Esta obra recrea y representa el universo de la ballena jorobada, partiendo de la sensibilización en torno al latido de su corazón y a sus cantos. Usando gafas de realidad virtual, el participante se sumerge en un video 360° donde experimenta un mundo abstracto fabricado alrededor de estos enormes mamíferos.

Sobre el colectivo
Colectivo ECOS se identifica por la exploración de la relación con la naturaleza y la cultura a través del arte, empleando formatos expandidos y tecnologías emergentes. Este camino de exploración arrancó en enero del 2018 con la participación de algunos integrantes en el creciente semillero de realidad virtual del Exploratorio del Parque Explora en Medellín.

Este filme explora la relación del hombre, el paisaje y los cuatro elementos mientras se encuentra sumido en un estado meditativo. A su vez, refleja la dinámica interna de un narrador, representado a partir de una serie de sentimientos y emociones de naturaleza existencialista. Con esta operación, se hace referencia a la sublimación de los cuatro elementos y la muerte como confrontación de lo místico y lo racional.

Sobre la artista
Bárbara Oettinger es egresada de Licenciatura en Artes de la Universidad de Chile y Magíster en Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha participado en variadas exposiciones y proyecciones en centros culturales, galerías y museos en Chile, Bolivia, Argentina, Uruguay, Brasil, Estados Unidos, India, Indonesia, Ucrania, Eslovenia, España, Francia, Portugal, Korea y Taiwán.

El motor de búsqueda de Google sugiere las preguntas más realizadas en el mundo, dichas preguntas se convierten en una predicción. Nadie sabe exactamente en qué parámetros funcionan los algoritmos de Google, sin embargo, estas preguntas generadas realmente se materializan, confirmando los prejuicios más arraigados en las personas como el racismo y el sexismo, y una curiosidad infantil sobre las partes del cuerpo.

Sobre el artista
Borja Rodríguez es artista visual y ensayista especializado en la influencia de las nuevas tecnologías en la dinámica social.

En Existe una bola de espejos, elemento de la cultura disco y signo inconfundible de la liberación corporal rueda por una vereda destruyéndose paulatinamente. La imagen reducida al blanco y negro es acompañada por una suave y electrónica voz femenina que nos dice que nada existe, que ninguna verdad incuestionable existe, instalándonos en la ausencia total del significado.

Sobre el artista
Mario Ceballos, conocido por el seudónimo Mario Z, es artista visual y sonoro. Estudió Percusión, en el Conservatorio Nacional de Música, de la Universidad de Chile, y es Licenciado en Bellas Artes, mención pintura, de la Universidad Arcis, Santiago, Chile. Ha recibo diversos premios tanto por su trabajo sonoro como visual. Fue profesor del Instituto ARCIS.

Este video reflexiona acerca de la necesidad humana de dominar la geografía, sobre la naturaleza misma que, en principio, le es absolutamente ajena. El personaje central no sólo es un vigilante del paisaje, como lo sería el personaje-artista de la obra del romanticismo, es además el que desea gobernar el pasaje. Desde ahí se plantea la idea de “la estación” como una arquitectura usada por el hombre para habitar y dominar la geografía en situaciones extremas.

Sobre el artista
Gabriel del Favero Bannen es artista visual, trabaja en el campo del video y la instalación. Realizó estudios de artes visuales en la Universidad Finis Terrae, Santiago de Chile y un diplomado en teoría del cine en la Universidad Católica de Chile. El año 2012 realizó una residencia en la Fundación AAVC Hangar, Barcelona, España (2012) y una en el continente Antártico como parte del proyecto A del Consejo Nacional de las Cultura y las Artes (2013). Sus trabajos han sido exhibidos en Chile, Argentina, Bolivia, España e Inglaterra.

«Recolectar materiales de desecho industrial encontrados alrededor de la ciudad, construir algo nuevo con ellos, buscar espacios, reclamar y recuperar el territorio perdido” es la premisa que nos muestra Nicolás Sánchez y su visión de la relación individuo-sociedad, una búsqueda para encontrar lo que la naturaleza humana ha perdido ante una ciudad que evoluciona velozmente hacia una fría y árida modernidad». Juan Pablo Faus.

Sobre el artista
Nicolás Sánchez es Licenciado en Arte Pontificia Universidad Católica de Chile, Máster en Arte Público, Universidad Politécnica de Valencia, y cuenta con exposiciones tanto individuales como colectivas. 2015-16, Becario Lepsien Art Foundation, International Grant Program for Emerging Artists, Düsseldorf, Alemania.

Uyuni es un pueblo boliviano cercano al monumental salar del mismo nombre, una atracción turística para todo visitante. En este pueblo se encuentra una pareja, dos viajeros jóvenes. A través de una yuxtaposición de imágenes se nos plasman dos puntos de vistas simultáneos y opuestos, el punto de vista de él y el punto de vista de ella, las diferentes miradas sobre un mismo mundo generan dos mundos distintos.

Sobre el artista
Andrés Denegri es un artista y curador argentino que ha desarrollado la mayor parte de su producción artística en el área del video monocanal y cine experimental en super 8 para desarrollar instalaciones audiovisuales

A partir de la técnica del found footage, el video El cuerpo toma las imágenes de un antiguo programa de conversación de la televisión chilena de las décadas del 80 y 90. Sus diálogos han sido modificados mediante subtítulos, convirtiendo la conversación en un ridículo plan para hacer desaparecer un cuerpo.

Sobre el artista
Nicolás Grum es Licenciado en Arte de la Universidad Católica de Chile. Trabaja en diversos medios como escultura, video e instalación. Ha participado en la Bienal 798 de Beijing (2009), Trienal de Chile (2009), Bienal de Artes Mediales 2013 y 2017, y en varias exposiciones individuales en Chile y EEUU, así como en muestras colectivas en América, Asia y Europa. Sus obras están en colecciones privadas en Chile, Alemania y Holanda, destacando la Fundación Kadist en San Francisco.

Epistolario visual. Una voz en off femenina nos guía a través de sus recuerdos en un intento por recobrar antiguos rituales familiares intercalando imágenes de archivos tanto personales como históricos. Dear nonna: a film letter traza una delgada línea entre la memoria, el documental íntimo y el videoarte.

Sobre la artista
Tiziana Panizza es máster en Art & Media Practice de la Universidad de Westminster en Londres, Inglaterra. Autora de Dear Nonna: a Film Letter (2005), Deja-Vu (2006) y de Vistiendo el Tiempo (2007), serie de cinco piezas audiovisuales para la colección permanente del Museo de la Moda y el Textil de Santiago. En televisión, ha sido directora en terreno y realizadora para cinco series documentales en las cadenas internacionales Discovery Channel, People & Arts y Travel Channel.

Cortometraje que narra el recorrido de tres personajes en el Santiago nocturno. Cada uno de ellos sufre la ruptura de sus respectivas relaciones de pareja, cayendo cada uno en su propia espiral. Heredero de la estética del cine de vanguardia, el video clip, el videoarte de los setenta y el cine underground, el cortometraje expone un espacio lleno de contrastes, hostil y sucio, recreando el Santiago de principios de siglo bajo una óptica decadente y superficial.

Sobre los artistas
Luis Horta es cineasta, investigador de cine y docente. Ha realizado documentales y videos experimentales. Fue alumno de destacados cineastas como Pedro Chaskel, Leonardo Céspedes, Carmen Brito, José Román y Sergio Navarro. Su segunda película es Maldito Amor que ha obtenido diversos premios, exhibiéndose en Europa junto a obras de Mathew Barney, Stan Brackaghe y Raúl Ruiz. Actualmente es subdirector de la Cineteca de la Universidad de Chile.

Fernando Arredondo es cineasta y músico integrante de las bandas Tío Lucho y OH! 

Mientras escuchamos consecutivamente versículos del génesis que hacen referencia del imaginario judío-cristiano femenino, se escenifican collages animados en donde la figura femenina, declarada inmunda, y las figuras religiosas, santificadas por su pureza, comparten escenario. “Cuando una mujer tenga flujo, si el flujo en su cuerpo es sangre, ella permanecerá en su impureza menstrual por siete días; y cualquiera que la toque quedará inmundo hasta el atardecer”  (Levitico 15:19-33).

Sobre la artista
Silvia Cacciatori es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República de Montevideo, y autodidacta del collage digital, donde recopila archivos de Internet. Entre sus obras destacan Mala sangre (2001) y Los pajaritos cantaban (2012).

Viaje por la imaginería de doce sueños. Doce recorridos interactivos en donde el espectador se involucra en la búsqueda del próximo lienzo audiovisual. Cada espectador ve una obra que depende de su interés y su sorpresa.

Sobre la artista
María Soledad Ramírez es diseñadora con postítulo en Arte, mención Técnicas y Propuestas Contemporáneas de la Pontificia Universidad Católica, y Arte y Nuevas Tecnologías, con mención en Multimedios Interactivos de la Universidad de Chile. Actualmente produce proyectos de desarrollo artístico con su propia empresa, Huesosanto.

¿Cómo encarar la empresa fracasada que consistió la negación de la verdad histórica oficial en la Comisión Nacional de la Verdad y Reconciliación? Esfuerzo puramente estadístico que evade su irresponsabilidad humana. La comisión borraba simplemente la verdad, pues, las víctimas de la dictadura eran negadas en tanto cuerpos. Una verdad sin cuerpos o mejor solo con el cuerpo legal o retórico que permitiera tramitarlos a un pasado no asumido por nadie. Comunión -primera parte de la trilogía Lecciones Nocturnas- es un  video collage que usa como archivo las imágenes de informe especial (TVN) en donde recontextualizan el “caso degollados”. El video instala, a través de textos, la pregunta por el otro, interpelándolo: “háblame”, “intento conocerte”, “vuélvete y mírame”, “háblame”, “perdóname”, tratando así de estar presente donde no se estuvo. Cifuentes reclama el derecho de ser parte de esa historia, su historia.

Sobre el artista
Guillermo Cifuentes (1968 – 2007) fue Licenciado en Bellas Artes, con mención en Videoarte del College of Visual and Performing Arts, Syracuse University, Syracuse (EEUU). Desarrolló sus primeras obras de cine y video a principios de los años noventa, entre ellas destacan Diálogo de Sordos (1995), Tampere (1996), Lecciones Nocturnas (1998) y Reconocimiento de Lugar (2002). Sus videos han sido presentados en el Zentrum für Aktuelle Künste Podewil, Berlín, (1999); ARCO, Madrid (2001); Festival de Vídeo de Locarno, Suiza (2001); 5ta Bienal de Video y Nuevos Medios, MAC, Santiago, Chile (2001); Transmediale, Berlín, Alemania (2001); entre otros.

En medio de la Plaza Yungay se yergue el Monumento al Roto Chileno, escultura de Virginio Arias en honor a los héroes anónimos de la Batalla de Yungay, a sus pies los autodenominados rotos chilenos, vagabundos, adictos a la pasta base, dejados por el destino, mendigan y habitan la plaza. El roto chileno es una forma de vida.

Sobre el artista
Claudio Rojas es comunicador audiovisual y videista. Ha recibido diversas distinciones por su trabajo, entre las que destacan el Premio Lampadia Foundation New York, USA (1996); Primer Lugar Género Documental Festival de Cine Cuzco, Perú (1997); Seleccionado Festival Internacional de Video de Lyons ‘FIPA’, Francia(1998); Beca de la Escuela de Cine San Antonio de Los Baños, Cuba (2004) y el «Premio Bienal de Video y Artes Electrónicas De Santiago» en 1995 y 1997. Entre sus obras destacan El Cilindro como Soporte (videoinstalación, 2003-04), Fauces (experimental cine digital, 2004) y El Terror Venidero.

Ferrari instala cabinas de consultas en lugares estratégicos de Santiago preguntándole al peatón ¿Qué estabas haciendo el día 11 de septiembre de 1973? Las respuestas son variadas y dejan constancia de cómo la política repercute en la vida privada. El video sintetiza el cruce entre periodismo y videoarte.

Sobre el artista
Marcelo Ferrari es periodista diplomado en la Universidad Católica. En la década de 1980 participó en la realización de numerosos documentales para el noticiero alternativo Teleanálisis. Su carrera como director comenzó en 1996 con el mediometraje de ficción El encierro, producido por la empresa Nueva Imagen. En su  filmografía destaca como director de Subterra (2003)  y Bombal (2011).