Ganadora: Línea Internacional

Video Found Footage realizado a partir de publicidades del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken entre 1976 y 1983. En un mundo que promete la vida perfecta, Marie Anne intenta escapar. En ese momento su huella se pierde para siempre.

“A partir de materiales publicitarios que promueven ideales de felicidad, consumo y progreso, este trabajo da visibilidad a aquellas personas que nunca fueron protagonistas de los medios masivos y, por el contrario, se sitúan como víctimas de los periodos de represión y dictaduras latinoamericanas”, argumentó el jurado. “En este sentido, destaca la relectura del discurso publicitario, donde el extrañamiento, el factor de descontextualización y sus distintas capas, la hacen acreedora del premio de la presente edición”.

Sobre Yaela Gottlieb
(Perú, 1992). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad San Martín de Porres y es egresada de la Universidad del Cine de Buenos Aires. Su obra explora fotografía, cine y video a partir del cruce entre territorio, desplazamiento y (des)construcciones de identidad. En 2020 formó parte del Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella, mientras que en 2021 estrenó su primera película No hay regreso a casa. Ha expuesto su obra en FICValdivia, Festival de Cine de Lima, Punto de Vista, Alchemy Film and Moving Image Festival, Bienal Arte Joven, Festifreak, entre otros lugares.

Mención honrosa en Línea Internacional

En un ejercicio de recreación digital, una cineasta trata de simular la cocina de sus abuelos a través de fotografías, videos y descripciones. A través del programa Blender, la arquitectura digital trata de acercarse lo más posible a cada detalle del objeto “real”. El resultado es una reflexión sobre los límites de la simulación y el uso afectivo de la computadora.

“Este trabajo sobresale por su ritmo y una propuesta sonora sutil que permite ingresar a un espacio privado, remitiendo directamente a los espacios domésticos y a un imaginario colectivo de clase obrera. La cocina adquiere así un peso como lugar de memoria, e ideas sobre cómo renderizar los recuerdos, utilizando la pantalla como un canvas, o cómo buscar una imagen perdida a través de clics en vivo, nos muestran los píxeles/huecos de una memoria íntima, universal y privada”, explicó el jurado.

Sobre Nataliya Ilchuk
(Ucrania, 1985). Estudió Cine en Kyiv National University of Culture and Arts, Guión Wajda Film School y Artes Contemporáneas en Le Fresnoy. Su obra aborda  la colisión entre tecnologías viejas y nuevas, exponiendo la inadecuación de la inserción de lo real a través del mundo actual/virtual, resistiéndose al conformismo producido por este régimen.En sus películas y videos utiliza diferentes herramientas y formatos: miniDV, super8, 16mm, 3D y diversas técnicas de animación. Ha expuesto su obra en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, FIDMarseille, Documenta Madrid, Dok Leipzig, entre otros lugares.

Ganador: Línea Local

A través de un montaje musical, una serie de viñetas animadas muestra imágenes de la revuelta de octubre, la emergencia sanitaria, el estado islámico, repartidores de delivery y un símil de la doctora Polo. En una serie de asociaciones inesperadas, se ensambla un imaginario caótico que sirve como testimonio de los últimos años.

Palabras del jurado: “Este trabajo resalta por su apuesta a habitar un espacio familiar al género de videoclip y por sus gestos sutiles que universalizan temáticas locales e internacionales. Destaca la interesante progresión de color y cómo va introduciendo objetos de unos fragmentos a otros alcanzando un rito de montaje que nos introduce en una particular sensación de circularidad de las relaciones, que lamentablemente parecieran expandirse, manifestando un gran desborde del la sensación de mundo”.

Sobre Aníbal Bley
Artista, animador y músico chileno. Ha trabajado en animación durante los últimos quince años, creando piezas de videoarte, música y cortometrajes. Su trabajo como artista visual y músico ha sido presentado en Chile, Argentina, Brasil, Costa Rica, República Dominicana, México, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania y Turquía.

Ganador: Narrativas expandidas

Calle Vista es una obra de net art que subvierte los usos estandarizados de Google Street al poner en evidencia la inteligencia artificial utilizada para reconocer y difuminar los rostros de las personas que fotografía. Una computadora es programada para derivar por la ciudad haciendo clics en posiciones aleatorias en Google Street View durante un período de 24 horas. Su recorrido es procesado por un algoritmo de visión computarizada que descompone la imagen original según 80 categorías de reconocimiento.

“El proyecto utiliza una tecnología universal para señalar una problemática aparentemente transparente, que trenza conceptos como la identidad, la imagen y nuestra relación con el uso digital de las mismas. El registro anónimo, sin autor, vigilante, de movimientos que se dan mediante clics, cambia la relación que se establece con un autor, donde una plataforma se plantea como un agente creativo, con agencia de registro”, explicó el jurado.

Sobre Random Clickers
Colectivo compuesto por Sofía Paz Basail, Juan Leguizamon y Maximiliano Parlagreco, estudiantes de Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires.

Ganador: Categoría Videoarte y animación

«Worstward Ho!» establece una relación entre la experiencia del aislamiento y la experiencia interna con el texto homónimo escrito por Samuel Beckett de 1983. El video recorre, en un movimiento lento y continuo, el espacio de un departamento reconstruido mediante el proceso de fotogrametría. Esta cámara fantasma observa el espacio vacío, apuntando solo a una atención desenfocada que, luego de un largo viaje, vuelve al punto de partida. Entre la cadencia rítmica del texto y la imagen fluida, el video habita un tiempo de lectura extendido, que confunde lo «real» y lo «virtual» o un posible lugar mental, cerrado sobre sí mismo.

El video fue realizado en un departamento de Franco en el Edificio Copan, un hito histórico de la arquitectura de São Paulo, diseñado por Oscar Niemeyer, y el edificio residencial más grande de América Latina. Este pequeño estudio es donde el creador de esta obra pasó sus días durante la pandemia, en 2020. El texto de Beckett y el sentimiento por el que pasó la humanidad durante este período parecen encontrar eco en los demás.

Sobre el artista
Ilê Sartuzi (1995, vive y trabaja en São Paulo) es un artista que estudió en la Universidad de São Paulo (USP). Su investigación abarca desde objetos escultóricos, proyecciones de video cartografiadas, instalaciones y obras de teatro, donde aborda cuestiones relativas a la imagen idealizada de un cuerpo, a menudo fragmentado o construido a partir de diferentes partes, al estilo de Frankenstein, pero también a la ausencia de esta figura en espacios protoarquitectónicos y virtuales.

Ganador: Categoría Videoensayos del territorio

El crimen está desatado en los barrios altos de Santiago, o eso es lo que piensan los acomodados habitantes de Las Condes y Lo Barnechea. Las municipalidades de estas comunas alimentan la paranoia de los vecinos al instalar globos de televigilancia con el fin de combatir la delincuencia en sus barrios. Estos aparatos de última tecnología pueden grabar 24/7, observando todo lo que ocurre en las comunas e ignorando cualquier tipo de privacidad.

Sobre el artista
Juan Cifuentes Mera nació en Santiago de Chile y es estudiante de Dirección Audiovisual en la Pontificia Universidad Católica. Ha trabajado en cortometrajes de la escuela en asistencia de fotografía, asistencia de dirección y en montaje. Durante el 2019 trabajó en distintos colectivos surgidos en el estallido social como REI Chile, Mete la cuchara y OjoChile. El 2020 participó creando cápsulas documentales y de animación para “Aprobemos Dignidad” en la franja del Plebiscito Constitucional. También ha realizado animaciones de rotoscopía análoga para OjoChile, el videoclip “Hombre” de Camila Moreno y la iniciativa “Leamos todxs juntxs” de ChileActores. “Los ojos del sapo” es su primera obra, un cortometraje estrenado en FECICH 12, donde ganó el premio a mejor cortometraje, que tuvo su estreno internacional en el festival Lima Alterna.

Mención honrosa: Categoría Videoarte y animación

Un relato sobre la agonía de un pueblo.

Sobre la artista
Enara Subiabre Castro es una estudiante de 16 años proveniente de Arica, Chile.

Mención honrosa: Categoría Videoensayos del territorio.

Video-ensayo en base a archivos que reflexiona acerca de la necesidad de ritos y a desaparición de los mismos en el panorama contemporáneo sobre todo desde el inicio de la pandemia.

Sobre los artistas
Felipe Rodríguez (Chile, 1995). Ha realizado el documental Los Vecinos del Abuelo (2019), el video-ensayo Incidentes en el Laboratorio (2020) y Publicó el poemario Estelas de Cóndores Fosforescentes (2018), fue antologado en la publicación Maraña: Panorama de Poesía Joven Chilena (Alquimia, 2019).

Paula Molina (Bogotá, Colombia). Estudió cine y televisión en la universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá, durante su carrera se especializó en la dirección de fotografía y la dirección dentro de la realización. Formó parte del festival universitario de cine ‘Eureka’ como programadora interesada en el cine de vanguardia y la arqueología del mismo, y posteriormente, fue fundadora del colectivo artístico y curatorial ‘Estudio de campos’ en el 2020 ganadores de la beca de curaduría para la cinemateca de Bogotá con el proyecto ‘Relato oral y ruina: construcción de la memoria en el cine contemporáneo’

Ganador: Categoría Videoarte y Animación

Una serie de réplicas a gran escala de partes del rostro (dos ojos, una nariz y una boca) flotan sobre la superficie de un lago. Los movimientos de las corrientes, vientos, cambios de temperaturas hacen que los elementos del rostro se desplacen de manera desordenada. Una persona nadando ingresa a escena e intenta ordenar las piezas de tal manera que configuren la organización de un rostro humano, sin embargo los movimientos naturales siempre terminan por desarmar la imagen.

Rostro Humano propone una metáfora visual para la comunicación entre lo natural y lo humano. Mientras lo humano insiste en configuraciones específicas y el control, lo natural propone el flujo, el movimiento y la re-configuración de los elementos. La mirada humana es unívoca, la propuesta natural es múltiple. Este trabajo nos presenta la insistencia humana por el control de los signos como una actividad absurda e infructuosa. Nos propone la necesidad de una nueva actitud en el diálogo con el entorno.

Sobre el artista
Javier González Pesce es artista visual egresado de la Universidad ARCIS y Máster en Arte en el espacio público por ÉDHÉA en Suiza. Se ha desempeñado principalmente como artista visual y desde 2011 co dirige el espacio Local Arte Contemporáneo en Santiago. Ha expuesto de manera individual en The Darling Foundry (Canadá, 2019), Points Center for Contemporary Art (China, 2019), Galería Gabriela Mistral (Chile, 2017), Espacio Crenau del Museo de Arte de Sion (Suiza, 2017) y el Museo de Artes Visuales (Chile, 2014), entre otros. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Chile y el extranjero.

Ganador: Categoría Narrativas Interactivas

Esta obra recrea y representa el universo de la ballena jorobada, partiendo de la sensibilización en torno al latido de su corazón y a sus cantos. Usando gafas de realidad virtual, el participante se sumerge en un video 360° donde experimenta un mundo abstracto fabricado alrededor de estos enormes mamíferos.

Sobre el colectivo
Colectivo ECOS se identifica por la exploración de la relación con la naturaleza y la cultura a través del arte, empleando formatos expandidos y tecnologías emergentes. Este camino de exploración arrancó en enero del 2018 con la participación de algunos integrantes en el creciente semillero de realidad virtual del Exploratorio del Parque Explora en Medellín.

Este filme explora la relación del hombre, el paisaje y los cuatro elementos mientras se encuentra sumido en un estado meditativo. A su vez, refleja la dinámica interna de un narrador, representado a partir de una serie de sentimientos y emociones de naturaleza existencialista. Con esta operación, se hace referencia a la sublimación de los cuatro elementos y la muerte como confrontación de lo místico y lo racional.

Sobre la artista
Bárbara Oettinger es egresada de Licenciatura en Artes de la Universidad de Chile y Magíster en Artes de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha participado en variadas exposiciones y proyecciones en centros culturales, galerías y museos en Chile, Bolivia, Argentina, Uruguay, Brasil, Estados Unidos, India, Indonesia, Ucrania, Eslovenia, España, Francia, Portugal, Korea y Taiwán.

El motor de búsqueda de Google sugiere las preguntas más realizadas en el mundo, dichas preguntas se convierten en una predicción. Nadie sabe exactamente en qué parámetros funcionan los algoritmos de Google, sin embargo, estas preguntas generadas realmente se materializan, confirmando los prejuicios más arraigados en las personas como el racismo y el sexismo, y una curiosidad infantil sobre las partes del cuerpo.

Sobre el artista
Borja Rodríguez es artista visual y ensayista especializado en la influencia de las nuevas tecnologías en la dinámica social.

En Existe una bola de espejos, elemento de la cultura disco y signo inconfundible de la liberación corporal rueda por una vereda destruyéndose paulatinamente. La imagen reducida al blanco y negro es acompañada por una suave y electrónica voz femenina que nos dice que nada existe, que ninguna verdad incuestionable existe, instalándonos en la ausencia total del significado.

Sobre el artista
Mario Ceballos, conocido por el seudónimo Mario Z, es artista visual y sonoro. Estudió Percusión, en el Conservatorio Nacional de Música, de la Universidad de Chile, y es Licenciado en Bellas Artes, mención pintura, de la Universidad Arcis, Santiago, Chile. Ha recibo diversos premios tanto por su trabajo sonoro como visual. Fue profesor del Instituto ARCIS.

Este video reflexiona acerca de la necesidad humana de dominar la geografía, sobre la naturaleza misma que, en principio, le es absolutamente ajena. El personaje central no sólo es un vigilante del paisaje, como lo sería el personaje-artista de la obra del romanticismo, es además el que desea gobernar el pasaje. Desde ahí se plantea la idea de “la estación” como una arquitectura usada por el hombre para habitar y dominar la geografía en situaciones extremas.

Sobre el artista
Gabriel del Favero Bannen es artista visual, trabaja en el campo del video y la instalación. Realizó estudios de artes visuales en la Universidad Finis Terrae, Santiago de Chile y un diplomado en teoría del cine en la Universidad Católica de Chile. El año 2012 realizó una residencia en la Fundación AAVC Hangar, Barcelona, España (2012) y una en el continente Antártico como parte del proyecto A del Consejo Nacional de las Cultura y las Artes (2013). Sus trabajos han sido exhibidos en Chile, Argentina, Bolivia, España e Inglaterra.

«Recolectar materiales de desecho industrial encontrados alrededor de la ciudad, construir algo nuevo con ellos, buscar espacios, reclamar y recuperar el territorio perdido” es la premisa que nos muestra Nicolás Sánchez y su visión de la relación individuo-sociedad, una búsqueda para encontrar lo que la naturaleza humana ha perdido ante una ciudad que evoluciona velozmente hacia una fría y árida modernidad». Juan Pablo Faus.

Sobre el artista
Nicolás Sánchez es Licenciado en Arte Pontificia Universidad Católica de Chile, Máster en Arte Público, Universidad Politécnica de Valencia, y cuenta con exposiciones tanto individuales como colectivas. 2015-16, Becario Lepsien Art Foundation, International Grant Program for Emerging Artists, Düsseldorf, Alemania.

Uyuni es un pueblo boliviano cercano al monumental salar del mismo nombre, una atracción turística para todo visitante. En este pueblo se encuentra una pareja, dos viajeros jóvenes. A través de una yuxtaposición de imágenes se nos plasman dos puntos de vistas simultáneos y opuestos, el punto de vista de él y el punto de vista de ella, las diferentes miradas sobre un mismo mundo generan dos mundos distintos.

Sobre el artista
Andrés Denegri es un artista y curador argentino que ha desarrollado la mayor parte de su producción artística en el área del video monocanal y cine experimental en super 8 para desarrollar instalaciones audiovisuales

A partir de la técnica del found footage, el video El cuerpo toma las imágenes de un antiguo programa de conversación de la televisión chilena de las décadas del 80 y 90. Sus diálogos han sido modificados mediante subtítulos, convirtiendo la conversación en un ridículo plan para hacer desaparecer un cuerpo.

Sobre el artista
Nicolás Grum es Licenciado en Arte de la Universidad Católica de Chile. Trabaja en diversos medios como escultura, video e instalación. Ha participado en la Bienal 798 de Beijing (2009), Trienal de Chile (2009), Bienal de Artes Mediales 2013 y 2017, y en varias exposiciones individuales en Chile y EEUU, así como en muestras colectivas en América, Asia y Europa. Sus obras están en colecciones privadas en Chile, Alemania y Holanda, destacando la Fundación Kadist en San Francisco.

Epistolario visual. Una voz en off femenina nos guía a través de sus recuerdos en un intento por recobrar antiguos rituales familiares intercalando imágenes de archivos tanto personales como históricos. Dear nonna: a film letter traza una delgada línea entre la memoria, el documental íntimo y el videoarte.

Sobre la artista
Tiziana Panizza es máster en Art & Media Practice de la Universidad de Westminster en Londres, Inglaterra. Autora de Dear Nonna: a Film Letter (2005), Deja-Vu (2006) y de Vistiendo el Tiempo (2007), serie de cinco piezas audiovisuales para la colección permanente del Museo de la Moda y el Textil de Santiago. En televisión, ha sido directora en terreno y realizadora para cinco series documentales en las cadenas internacionales Discovery Channel, People & Arts y Travel Channel.

Cortometraje que narra el recorrido de tres personajes en el Santiago nocturno. Cada uno de ellos sufre la ruptura de sus respectivas relaciones de pareja, cayendo cada uno en su propia espiral. Heredero de la estética del cine de vanguardia, el video clip, el videoarte de los setenta y el cine underground, el cortometraje expone un espacio lleno de contrastes, hostil y sucio, recreando el Santiago de principios de siglo bajo una óptica decadente y superficial.

Sobre los artistas
Luis Horta es cineasta, investigador de cine y docente. Ha realizado documentales y videos experimentales. Fue alumno de destacados cineastas como Pedro Chaskel, Leonardo Céspedes, Carmen Brito, José Román y Sergio Navarro. Su segunda película es Maldito Amor que ha obtenido diversos premios, exhibiéndose en Europa junto a obras de Mathew Barney, Stan Brackaghe y Raúl Ruiz. Actualmente es subdirector de la Cineteca de la Universidad de Chile.

Fernando Arredondo es cineasta y músico integrante de las bandas Tío Lucho y OH! 

Mientras escuchamos consecutivamente versículos del génesis que hacen referencia del imaginario judío-cristiano femenino, se escenifican collages animados en donde la figura femenina, declarada inmunda, y las figuras religiosas, santificadas por su pureza, comparten escenario. “Cuando una mujer tenga flujo, si el flujo en su cuerpo es sangre, ella permanecerá en su impureza menstrual por siete días; y cualquiera que la toque quedará inmundo hasta el atardecer”  (Levitico 15:19-33).

Sobre la artista
Silvia Cacciatori es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República de Montevideo, y autodidacta del collage digital, donde recopila archivos de Internet. Entre sus obras destacan Mala sangre (2001) y Los pajaritos cantaban (2012).

Viaje por la imaginería de doce sueños. Doce recorridos interactivos en donde el espectador se involucra en la búsqueda del próximo lienzo audiovisual. Cada espectador ve una obra que depende de su interés y su sorpresa.

Sobre la artista
María Soledad Ramírez es diseñadora con postítulo en Arte, mención Técnicas y Propuestas Contemporáneas de la Pontificia Universidad Católica, y Arte y Nuevas Tecnologías, con mención en Multimedios Interactivos de la Universidad de Chile. Actualmente produce proyectos de desarrollo artístico con su propia empresa, Huesosanto.

¿Cómo encarar la empresa fracasada que consistió la negación de la verdad histórica oficial en la Comisión Nacional de la Verdad y Reconciliación? Esfuerzo puramente estadístico que evade su irresponsabilidad humana. La comisión borraba simplemente la verdad, pues, las víctimas de la dictadura eran negadas en tanto cuerpos. Una verdad sin cuerpos o mejor solo con el cuerpo legal o retórico que permitiera tramitarlos a un pasado no asumido por nadie. Comunión -primera parte de la trilogía Lecciones Nocturnas- es un  video collage que usa como archivo las imágenes de informe especial (TVN) en donde recontextualizan el “caso degollados”. El video instala, a través de textos, la pregunta por el otro, interpelándolo: “háblame”, “intento conocerte”, “vuélvete y mírame”, “háblame”, “perdóname”, tratando así de estar presente donde no se estuvo. Cifuentes reclama el derecho de ser parte de esa historia, su historia.

Sobre el artista
Guillermo Cifuentes (1968 – 2007) fue Licenciado en Bellas Artes, con mención en Videoarte del College of Visual and Performing Arts, Syracuse University, Syracuse (EEUU). Desarrolló sus primeras obras de cine y video a principios de los años noventa, entre ellas destacan Diálogo de Sordos (1995), Tampere (1996), Lecciones Nocturnas (1998) y Reconocimiento de Lugar (2002). Sus videos han sido presentados en el Zentrum für Aktuelle Künste Podewil, Berlín, (1999); ARCO, Madrid (2001); Festival de Vídeo de Locarno, Suiza (2001); 5ta Bienal de Video y Nuevos Medios, MAC, Santiago, Chile (2001); Transmediale, Berlín, Alemania (2001); entre otros.

En medio de la Plaza Yungay se yergue el Monumento al Roto Chileno, escultura de Virginio Arias en honor a los héroes anónimos de la Batalla de Yungay, a sus pies los autodenominados rotos chilenos, vagabundos, adictos a la pasta base, dejados por el destino, mendigan y habitan la plaza. El roto chileno es una forma de vida.

Sobre el artista
Claudio Rojas es comunicador audiovisual y videista. Ha recibido diversas distinciones por su trabajo, entre las que destacan el Premio Lampadia Foundation New York, USA (1996); Primer Lugar Género Documental Festival de Cine Cuzco, Perú (1997); Seleccionado Festival Internacional de Video de Lyons ‘FIPA’, Francia(1998); Beca de la Escuela de Cine San Antonio de Los Baños, Cuba (2004) y el «Premio Bienal de Video y Artes Electrónicas De Santiago» en 1995 y 1997. Entre sus obras destacan El Cilindro como Soporte (videoinstalación, 2003-04), Fauces (experimental cine digital, 2004) y El Terror Venidero.

Ferrari instala cabinas de consultas en lugares estratégicos de Santiago preguntándole al peatón ¿Qué estabas haciendo el día 11 de septiembre de 1973? Las respuestas son variadas y dejan constancia de cómo la política repercute en la vida privada. El video sintetiza el cruce entre periodismo y videoarte.

Sobre el artista
Marcelo Ferrari es periodista diplomado en la Universidad Católica. En la década de 1980 participó en la realización de numerosos documentales para el noticiero alternativo Teleanálisis. Su carrera como director comenzó en 1996 con el mediometraje de ficción El encierro, producido por la empresa Nueva Imagen. En su  filmografía destaca como director de Subterra (2003)  y Bombal (2011).